美国古典音乐繁荣的十个巅峰时刻

原文作者 / Kyle MacMillan

翻译 / 乐迪

原载美国杂志《聆听音乐艺术》

（listen music culture）

美国是个新兴移民国家，却成为当今古典音乐的世界中心之一。

古典音乐超越地域和时间，成为美国文化结构的一部分，这不是偶然的，是由历史上很多偶然和必然的音乐事件推动和造就的。

美国历史上的一些音乐巅峰时刻，最终使古典音乐成为美国文化景观的一部分，把这些重要的事件节点盘点一下，可以筛选出最显要的十个。

1891年的卡内基音乐厅和开幕之夜的票根

1.卡内基音乐厅开幕

（1891年5月5日）

没有比纽约卡内基音乐厅（Carnegie Hall）与美国古典音乐发展更有密切联系的事情了。

美国钢铁大王安德鲁·卡内基捐献了这座音乐厅，并于1890年5月，为这座庞大的艺术建筑奠基。1891年5月5日，卡内基音乐厅以意大利文艺复兴时期的建筑风格面世，并举办了五天的音乐节作为开幕式，著名指挥家瓦尔特·达姆罗斯克（Walter Damrosch）和作曲家柴可夫斯基（Peter Ilyich Tchaikovsky）出任指挥，老柴亲自指挥了他的《第一钢琴协奏曲》。

在这座传奇的音乐厅里，举办了数不胜数的具有里程碑意义的音乐会和音乐活动，其中包括伊戈尔·斯特拉文斯基1925年在美国的首次亮相，并指挥了纽约爱乐乐团；还有1938年1月16日，演奏家本尼·古德曼（Benny Goodman）著名的爵士音乐会，现场录音成为爵士乐史上最畅销的专辑。

20世纪50年代后期，卡内基音乐厅成为纽约爱乐乐团的主场，先后的指挥家包括托斯卡尼尼、斯托科夫斯基、布鲁诺·瓦尔特以及伯恩斯坦。能够在这里演出或登台亦成为音乐家在乐坛成功的标志。1964年，卡内基音乐厅被指定为美国国家历史地标。

卡内基音乐厅在上世纪60年代中期曾遭遇过一次巨大危机，音乐厅面临为建设摩天大楼而被拆迁的命运。在小提琴家艾萨克·斯特恩（Isaac Stern）领导的保厅运动压力下，政府通过特别法案，挽救了这座历史性建筑，并依然是美国关键的音乐文化象征。

2. 星期二系列音乐会（1892）

如果没有美国音乐家持续、积极，并不计报酬地在全国各城镇组织演出和推广古典音乐，美国的古典音乐将永远不会繁荣。这其中最古老的古典音乐普及活动是“星期二系列音乐会”。

1892年，四名爱好古典音乐的女性，在美国内布拉斯加州的小城奥马哈，以一种私人聚集的形式，在非正式场合固定表演古典音乐。1903年，音乐专业人士开始加入“星期二系列音乐会”。1915年后，具有国际声望的音乐家也加入到这个音乐会系列中，曾经出场的音乐明星有：巴勃罗·卡萨尔斯、克里斯滕·弗拉斯塔德、贾沙德·海弗茨、弗拉基米尔·霍洛维茨、艾萨克·帕尔曼、谢尔盖·拉赫玛尼诺夫、阿瑟·鲁宾斯坦、阿图尔·施纳贝尔、鲁道夫·塞尔金、琼·萨瑟兰和艾萨克·斯特恩等。

“我们始终的目标是以最优惠的价格，为我们奥马哈市的观众提供最好的演奏家和音乐会。这是一个非常简单的承诺，坚持下来非常奏效。”“星期二系列音乐会”联合主席普拉门勃（Eleanor Plumb）在音乐会设立一百周年之际这样说。

不过，“星期二系列音乐会”近年来面临着日益激烈的竞争，观众逐步萎缩，目前处于中断状态。

3. 德沃夏克到美国（1892年）

1892年9月27日，著名捷克作曲家安东尼·德沃夏克（Antonín Dvořák）应邀来到美国，出任纽约美国国家音乐学院院长，美国人对他十分重视，开出了当时月薪1.5万美元的高价。

德沃夏克在美国期间，完成了他一生中最重要的一些作品，包括《第九交响曲“新世界”》，纽约爱乐乐团在1893年首演了这部作品。就在这年夏天，在爱荷华州的斯皮尔维尔镇，德沃夏克完成了包括《美国弦乐四重奏》在内的几部作品，并参观了几个中西部社区。

在美国近三年的时间里，德沃夏克为新大陆带去了欧洲古典音乐的传统和精神，同时他也十分推崇美国作曲家对于美国土著音乐和非洲音乐灵感在创作中的运用，认为融合世界各地具代表性的音乐元素，是一种有前瞻性的想法。他在给《纽约先驱报》编辑的一封信中说：“新的美国音乐学校必须深深植根于自己的土壤，但也应该鼓励年轻有才华的美国人去欧洲接受音乐教育。”

德沃夏克是古典音乐在美国的首席“传教士”。

4. 美国歌剧《波吉与贝丝》

（1935年10月10日）

说起美国歌剧的历史，应始于乔治·格什温（George Gershwin）的《波吉与贝丝》（Porgy and Bess）。

1935年9月30日，《波吉与贝丝》在波士顿首演，10天后开始在纽约的阿尔文剧院演出，连续演了124场。说这是部歌剧还不如说它是音乐剧更为恰当，格什温用美国人固有的音乐语言、独特的音乐表现手法，使其既有新风格又有浓厚的美国民族特色，是美国歌剧的代表作。

格什温1922年读到了杜波斯·海沃德的小说《波尔吉》，他与海沃德商讨如何改编成歌剧，连歌词都是两人磋商的。虽然格什温在创作这部歌剧时并没有将自己的艺术才华真正发挥出来，但他凭借纯熟的技巧，在作品中注入了一种爵士乐的激情，从而产生了一种特别的韵味。

这部歌剧有很多种版本，曾被认为有种族主义的影子而备受争议。直到1976年休斯顿大歌剧院恢复了格什温完整的原始乐谱和剧本，《波吉与贝丝》才被美国社会完全接受，并成为美国最伟大的歌剧作品。

《波吉与贝丝》在纽约大都会歌剧院于1985年首次演出，并进入了该剧院标准歌剧剧目清单。

5. 玛丽安·安德森的林肯会堂音乐会

（1939年4月9日）

1939年4月9日，美国黑人女歌唱家玛丽安·安德森（Marian Anderson）在林肯纪念堂前演出，以音乐歌颂自由、平等、博爱的美国精神，有七千五百人观看，是美国有史以来第一次公开的抗议性音乐会。在这样一个单一场地聚集起如此庞大的观众人群，无论如何都会使这场音乐会载入史册。

事情的起因是位于华盛顿的霍华德大学计划邀请这位歌唱家开音乐会，但校内没有足够的场地，校方因此申请租用美国宪法大厅演唱，但被美国的种族主义者严厉拒绝，因为只有白人被允许在那里演出。

具有反种族歧视精神的美国第一夫人埃莉诺·罗斯福（Anna Eleanor Roosevelt）愤怒了，她亲自出面安排这场音乐会在户外的林肯纪念馆前举行，并以林肯雕像作为演唱的背景。

杰出的人道主义者罗斯福总统夫人

安德森以一首《你是我的祖国》（My Country Tis of Thee）开始她的音乐会，以唐尼采蒂的《我的热爱》（La favorite）和舒伯特的《圣母颂》（Ave Maria）结束音乐会，它传达了一个重要思想，即：上帝、我和我的国家同在。

安德森小姐从来没有认为自己是一名社会活动家，但事实上，在那个星期天的早上，她感动了美国。美国女高音歌唱家杰西·诺曼（Jessye Norman）在她公开出版的回忆录中专门为安德森写了一篇文章，称她是美国第一个“站起来唱歌的人！”回忆录中写道：“尽管她经历过普遍的歧视和偏见，但她没有仇恨，她用音乐创造博爱与平等，我感谢她启迪了我的人生。”

6. 迪士尼动画片《幻想曲》

（1940年11月13日）

1940年，沃尔特·迪士尼公司决定制作一部动画电影《幻想曲》，以结束当时美国对“米老鼠”“魔法师学徒”的热烈讨论。《幻想曲》包括八部动画短片，配乐使用了很多古典音乐名作，由著名指挥家利奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）指挥乐团演奏，曲目包括斯特拉文斯基的《春之祭》和穆索尔斯基的《荒山之夜》等。

虽然当时很多美国人可能不知道这些古典名作的标题，但在连续几代人的记忆里，这些名曲深入内心。1998年，美国电影学院把迪士尼《幻想曲》评为有史以来位列第五的动画电影名片，它的价值在于通过电影，让成千上万的少年儿童和成年人铭记了古典音乐无与伦比的美妙。

《幻想曲》原创剧场版发布的海报

7.范·克莱本赢得首届国际柴可夫斯基大赛冠军（1958年4月13日）

1957年10月，苏联发射了人造地球卫星，冷战紧张局势加剧，并引发了太空军备竞赛。

不到一年，来自美国得克萨斯州的一位年轻钢琴家范·克莱本（Van Cliburn）前往莫斯科参加首届国际柴可夫斯基大赛，并赢得冠军。他回国时被视为英雄，成为《时代周刊》封面人物。

范·克莱本

此后不久，范·克莱本和他在苏联比赛时的乐团指挥奇利尔·孔德拉辛（Kirill Kondrashin）合作，在美国举行了三场独奏音乐会，并录制了柴可夫斯基的《第一钢琴协奏曲》，这张唱片荣获美国白金唱片奖，售出超过300万张。

范·克莱本是民间音乐外交的始祖，几十年来，他也是少数几位美国顶尖的古典音乐家之一。在美国，无论是否喜爱古典音乐，几乎都知道他。他于1962年在沃斯堡创立了“范·克莱本国际钢琴比赛”，并跻身世界上最具声望的音乐比赛之列。

8.列昂纳德·伯恩斯坦的“小朋友音乐会”

（1958年1月18日）

著名指挥家列昂纳德·伯恩斯坦

在成为纽约爱乐乐团音乐总监的两周后，1958年1月18日，著名指挥家列昂纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein）率领由五十三位年轻乐手组成的乐团，举办了第一场“小朋友音乐会”。

身为大音乐家的伯恩斯坦并不认为为小屁孩举办音乐会，是一件屈尊或者简单的事，他向儿童观众介绍古典音乐，引导他们向科普兰和肖斯塔科维奇等作曲家致敬。在音乐会上，甚至有孩子问他如“音乐倒底在说什么意思”这样具有挑战性的说不清的问题。

女指挥家马林·阿尔索普

“小朋友音乐会”在每周六早上举行，电视实况转播在美国哥伦比亚广播公司（CBS）的黄金时段坚持了三年，后来转移到了星期天的下午。伯恩斯坦和他的团队坚持以这种方式将古典音乐带入千千万万个美国家庭，不仅培养了几代古典音乐爱好者，还让许多爱好音乐的孩子走进了古典音乐的职业生涯，这其中就有著名女指挥家马林·阿尔索普（Marin Alsop）。她是纽约人，后来成为伯恩斯坦的学生，她说：“我每周日下午都要观看CBS转播的小朋友音乐会，我爸爸后来带我到音乐厅去体验这个音乐会，我也想成为指挥家。伯恩斯坦的超凡魅力和热情让我倾倒，我感受到古典音乐是高雅的，同时也很有趣。”

9. 特里·莱利：In C（1964年11月4日）

第二次世界大战后，美国创作的古典音乐被无调性或串音主义音乐所统治，这种音乐风格似乎结束了古典音乐的浪漫主义时代，并且不太在乎观众是否喜欢这样的音乐。

在20世纪60和70年代，这种音乐风格被发展并被称为极简主义音乐，特征是重复出现的动机和缓慢的发展。特里·莱利（Terry Riley）于1964年发表了代表作“In C”，其中包含了53条可以由任何数量或类型的乐器演奏的连锁音乐短句。这部作品在旧金山音乐录音中心首演，提醒人们关注美国西部在古典音乐发展演变中所发挥的重要作用。

作曲家特里·莱利

特里·莱利的 In C，是全球最具影响力的现代音乐作品之一，它几乎可以以任何能想象出来的乐器组合演奏。上海电影乐团1989年在中国的首演，是最优秀的带东方情调的诠释版本之一，也是中国第一次录制西方现代音乐作品。

In C可以看作是当今极简主义和世界音乐风格的先驱，它的影响力超越时空，推动了全球现代音乐的发展。

10.克洛诺斯四重奏的形成

（1973年11月）

1973年11月，克罗诺斯四重奏在美国北西雅图社区学院首次亮相，没有一个美国乐团对当代古典音乐的发展产生了如此深远的影响。

克罗诺斯四重奏完成了八百多首原创作品，这是一个惊人的数字，并且与作曲家特里·莱利（Terry Riley）建立了长期合作的关系。

克罗诺斯四重奏不是贝多芬或德彪西时代的那种四重奏，它专注于古典主义和浪漫主义领域外新曲目的探索。它与中国琵琶演奏家吴蛮、喉咙歌手汤雅·塔噶奎（Tanya Tagaq）、摇滚传奇人物保尔·麦克卡特尼（Paul McCartney）和爵士歌手贝提·卡特（Betty Carter）等多位重要音乐家合作过，很多世界级的舞蹈家也使用了克罗诺斯四重奏创作的音乐，它的勇敢探索打破了弦乐演奏的常规，具有推动古典音乐前行的力量。

克罗诺斯四重奏成员

纽约时报说：把琵琶介绍给世界的是杭州姑娘吴蛮

她与克罗诺斯四重奏有很多合作

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